Exhibitions: Basquiat

  • 1st Floor
    Arts of Africa, Steinberg Family Sculpture Garden
  • 2nd Floor
    Arts of Asia and the Islamic World
  • 3rd Floor
    Egyptian Art, European Paintings
  • 4th Floor
    Contemporary Art, Decorative Arts, Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art
  • 5th Floor
    Luce Center for American Art

Hiroshige's One Hundred Famous Views of Edo

Hiroshige's 118 woodblock landscape and genre scenes of mid-nineteenth-century Tokyo, is one of the greatest achievements of Japanese art.

    On View: Home Scene

    Thomas Eakins painted several works with music-related themes during his career. In Home Scene, his older sister Margaret sits at the piano,...

     
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    Basquiat

    • Dates: March 11, 2005 through June 5, 2005
    • Collections: Contemporary Art
    • Location: This exhibition is no longer on view in Morris A. and Meyer Schapiro Wing, 4th and 5th Floors
    • Description: Basquiat. [03/11/2005 - 06/05/2005]. Installation view.
    • Citation: Brooklyn Museum Digital Collections and Services. Records of the Department of Digital Collections and Services. (DIG_E_2005_Basquiat)
    • Source: born digital
    • Related Links: Main Exhibition Page
    Exhibition Didactics ?
    • Introduction
      Jean-Michel Basquiat (1960–1988) was born and raised in Brooklyn, the son of a Haitian-American father and a Puerto Rican–American mother. As a child, he showed a precocious talent for drawing, and his mother enrolled him as a Junior Member of the Brooklyn Museum at the age of six. He first gained notoriety as a teenage graffiti poet and musician. But by 1981, at twenty, he had turned from spraying sayings on the walls of Lower Manhattan to making paintings to sell in SoHo galleries. Basquiat rapidly became one of the most accomplished artists of his generation. Astute collectors began buying his art, and his gallery shows sold out. Critics noted the originality of his work, its emotional depth, unique iconography, and formal strengths in color, composition, and drawing. By 1985, he was featured on the cover of The New York Times Magazine as the epitome of the hot, young artist in a booming market. Tragically, Basquiat began using heroin and died of an accidental drug overdose when he was just twenty-seven years old.

      This exhibition gathers together more than one hundred of Jean-Michel Basquiat’s finest works, including many that have never been shown in the United States. It is organized chronologically, with special sections highlighting Basquiat’s interest in music, language, and Afro-Caribbean imagery, along with his use of techniques such as collage and silkscreen.

      The exhibition seeks to demonstrate not only that Basquiat was a key figure for the 1980s, but also that his artistic accomplishments have significance for twentieth-century art as a whole. Basquiat was the last major painter in an idiom that began many decades earlier in Europe with the imitation of African art by modern artists such as Picasso and Matisse. Inspired by his own heritage as a child of the African Diaspora, Basquiat contributed to that African-influenced modernist idiom yet also transcended it. With an intellectual ambition to match its skill, Basquiat’s art is every bit as fascinating as his remarkable life.

    • Introduction
      Jean-Michel Basquiat (1960–1988), fils d’un père haïtien-américain et d’une mère portoricaine, est né et a grandi à Brooklyn. Dès l’enfance, il manifeste un talent précoce pour le dessin et devient membre junior du Brooklyn Museum à l’âge de six ans, à l’initiative de sa mère. Il se fait tout d’abord connaître en tant que poète graffitiste et musicien mais, en 1981, à l’âge de vingt ans, il renonce à peindre au spray sur les murs de Lower Manhattan pour se consacrer à la création de tableaux qu’il vendra dans les galeries de SoHo. Basquiat devient rapidement l’un des artistes les plus accomplis de sa génération. Des collectionneurs avertis commencent à acquérir ses oeuvres et les galeries vendent la totalité de ses expositions. Les critiques soulignent l’originalité de son travail, sa profondeur psychologique, son iconographie unique et la puissance de la couleur, de la composition et du dessin. En 1985, il paraît en couverture du New York Times Magazine, présenté comme le parfait exemple d’un jeune artiste tendance dans un marché en plein boom. Tragiquement, Basquiat, qui a commencé à se droguer à l’héroïne, meurt d’une overdose accidentelle à l’âge de 27 ans.

      Cette exposition rassemble plus d’une centaine des plus belles oeuvres de Jean-Michel Basquiat, dont beaucoup
      n’ont jamais été montrées aux États-Unis. Elle suit un ordre chronologique et comporte des sections qui examinent plus particulièrement l’intérêt que portait Basquiat à la musique, à la langue et à l’imagerie afro-caraïbéenne, ainsi que ses techniques telles que le collage et la sérigraphie.

      L’objet de cette exposition est de montrer que non seulement Basquiat a été une personnalité clé des années 1980, mais aussi que son oeuvre revêt une importance considérable pour l’art du XXe siècle en général. Basquiat a été le dernier grand peintre à utiliser une forme d’expression née en Europe avec l’imitation de l’art africain par des artistes modernes comme Picasso et Matisse plusieurs décennies auparavant. Puisant dans son propre héritage d’enfant de la diaspora africaine, Basquiat a contribué à développer cet idiome moderniste influencé par l’Afrique, tout en le transcendant. Reflétant une ambition intellectuelle servie par un talent à sa mesure, l’oeuvre de Basquiat est tout aussi fascinante que la vie extraordinaire qu’il a menée.

    • Introducción
      Jean-Michel Basquiat (1960–1988) nació y creció en Brooklyn; su padre era haitiano-estadounidense y su madre, puertorriqueña-estadounidense. De niño, demostró tener un talento precoz para el dibujo y cuando tenía seis años, su madre lo inscribió como miembro juvenil del Brooklyn Museum. Adquirió notoriedad por primera vez como poeta de graffiti y músico adolescente. Pero en el año 1981, a los veinte años, había pasado de pintar frases con aerosol en las paredes del sur de Manhattan a pintar cuadros para venderlos en las galerías de SoHo. Basquiat se convirtió rápidamente en uno de los artistas más talentosos de su generación. Algunos sagaces coleccionistas comenzaron a comprar sus obras de arte y las galerías vendían la totalidad de las obras en exhibición. Los críticos advirtieron la originalidad de su trabajo, su profundidad emocional, su iconografía única y la solidez formal de los colores, la composición y los dibujos. En 1985, apareció en la portada del New York Times Magazine personificando el arquetipo del artista joven y popular en un mercado en auge. Lamentablemente, Basquiat comenzó a usar heroína y falleció a causa de una sobredosis accidental de drogas cuando sólo tenía veintisiete años.
      La exposición reúne más de cien de las mejores obras de Jean-Michel

      Basquiat, incluyendo muchas que nunca se han exhibido en los Estados Unidos. Está organizada cronológicamente, con secciones especiales que destacan el interés de Basquiat en la música, el lenguaje y la imaginería afrocaribeña, además del empleo de técnicas tales como el collage y la serigrafía.

      El objetivo de la exposición es demostrar no sólo que Basquiat fue una figura clave de la década de los 80, sino también que sus logros artísticos tienen relevancia universal en el mundo del arte del siglo XX. Basquiat fue el último gran pintor de un estilo que comenzó varias décadas antes en Europa con la imitación del arte africano por parte de artistas modernos tales como Picasso y Matisse. Inspirado por su propia herencia como hijo de la diáspora africana, Basquiat contribuyó a desarrollar ese estilo modernista influenciado por el arte africano pero también llegó a trascenderlo. Con una ambición intelectual que iguala su técnica, el arte de Basquiat es sin lugar a dudas tan fascinante como su extraordinaria vida.

    • Silkscreen
      In 1984, Basquiat began pursuing a new layering technique. Instead of taking his drawings to the photocopy shop, he took them to a silkscreen studio, where they were transferred onto screens and printed onto the canvas. He then worked from this base—painting, drawing, and adding more silkscreened images to build the picture surface into a complex, multilayered network of interrelated images, all connected by rich, tactile brushwork.

      Basquiat worked at several silkscreen studios, including Andy Warhol’s. In fact, the two artists collaborated on a series of paintings in late 1984. It is in these works that we see the fundamental difference between the two artists: Warhol coolly chooses actual images from the existing world to reproduce photomechanically on canvas, while Basquiat reinvents and reinterprets them with marks made by his own hand.

    • Sérigraphie
      En 1984, Basquiat commence à utiliser une nouvelle technique créative. Au lieu de faire des photocopies de ses dessins, il les apporte dans un atelier de sérigraphie où ils sont transférés sur des écrans et imprimés sur la toile. Il travaille alors à partir de cette base—utilisant peinture, dessins et autres images sérigraphiées pour arriver à une surface complexe et une multicouche d’images interdépendantes, toutes reliées par un brossé riche et tactile.

      Basquiat a travaillé dans plusieurs ateliers de sérigraphie, y compris celui d’Andy Warhol. En fait, les deux artistes ont collaboré dans une série de tableaux réalisée à la fin de 1984. Ces oeuvres permettent de saisir la différence fondamentale qui les sépare : Warhol choisit posément des images réelles qu’il reproduit sur la toile par un procédé photomécanique, tandis que Basquiat réinvente et réinterprète ses motifs avec des marques faites de sa propre main.

    • Serigrafía
      En 1984, Basquiat comienza a explorar una nueva técnica creativa. En lugar de llevar sus dibujos a la fotocopiadora, los lleva a un taller de serigrafía, donde son transferidos a una plancha serigráfica y estampados sobre lienzo. Luego, trabaja a partir de esta base, pintando, dibujando y agregando más imágenes serigrafiadas a fin de transformar la superficie de la pintura en una compleja red de varias capas de imágenes interrelacionadas, todas conectadas mediante ricas pinceladas táctiles.

      Basquiat trabajó en varios talleres de serigrafía, incluyendo el de Andy Warhol. De hecho, ambos artistas colaboran en una serie de cuadros a finales de 1984. Es en estas obras que observamos la diferencia fundamental que los separa: Warhol trabaja con imágenes ya existentes del mundo circundante y que serán fríamente reproducidas en el lienzo a través de un proceso fotomecánico, mientras que Basquiat las reinventa y reinterpreta con trazos y marcas hechos de su propia mano.

    • Photocopy and Collage
      Basquiat began many paintings by pasting his own drawings—or photocopies of them—onto the canvas. Some of the drawings are spare, economical meditations, distilling an idea into the meanderings of line. Others are dense with deposits of marks and words. The collage ground they created gave Basquiat a surface to which he responded with painted imagery. The collage technique produced dense and complex surfaces in his paintings. They recall the artist’s urban milieu—outdoor walls layered with posters, paint, dirt, and graffiti that he encountered every day, as he made his way through New York City. They are also reminiscent of Cubist collage, though rather than integrate visual materials from the world outside the work of art, such as signs and newspapers, as Picasso and Braque generally did, Basquiat uses copies of his own works as collage elements, reaffirming the authority of his own controlling hand in his closed universe of marks.

    • Photocopie et collage
      Basquiat commençait beaucoup de ses tableaux en collant ses propres dessins—ou des photocopies de ces dessins—à même la toile. Certains de ces dessins sont de simples et sobres méditations qui distillent une idée dans les méandres de la ligne. D’autres sont des amalgames denses de marques et de mots. La base de collages ainsi créée offrait à Basquiat une surface qui lui dictait ensuite son imagerie peinte. La technique du collage donne à ses oeuvres une surface dense et complexe qui n’est pas sans rappeler le milieu urbain de l’artiste—les murs extérieurs placardés d’affiches, de peinture, de saleté et de graffitis qu’il voyait tous les jours en parcourant les rues de New York. Ces surfaces sont aussi réminiscentes des collages cubistes. Mais au lieu d’intégrer à l’oeuvre des éléments visuels provenant de l’extérieur comme les affiches et les journaux fréquemment utilisés par Picasso et Braque, Basquiat se servait de copies de ses propres oeuvres pour faire ses collages, réaffirmant ainsi le contrôle de sa propre main sur son univers de marques clos.

    • Fotocopia y collage
      Basquiat comenzaba muchas de sus pinturas pegando sus propios dibujos, o fotocopias de los mismos, sobre el lienzo. Algunos de los dibujos son meditaciones económicas y austeras que plasman una idea entre trazos sinuosos. Otros son densas amalgamas de trazos y palabras. La base de collage que esta técnica creaba, proporcionaba a Basquiat una superficie a la que él respondía con imágenes pintadas. La técnica de collage producía superficies densas y complejas en sus cuadros. Estas superficies evocan el entorno urbano del artista: paredes exteriores cubiertas con capas de carteles, pintura, suciedad y graffiti con las que él se encontraba en su diario transitar por la ciudad de Nueva York. Además, evocan el collage cubista, pero en lugar de integrar materiales visuales del mundo ajeno a la obra de arte, tales como carteles y periódicos, como lo hacían usualmente Picasso y Braque, Basquiat incluye copias de sus propios trabajos como elementos del collage, reafirmando la autoridad de su propia mano controladora en un universo cerrado de trazos significantes.

    • From Street to Studio
      Basquiat once told an interviewer, “Since I was seventeen, I thought I might be a star.” As a teenager, he plunged into the emerging eighties art scene. He met artists and celebrities at the Mudd Club; appeared on Glenn O’Brien’s TV Party, a television show about the downtown scene; and starred in a low-budget film, Downtown 81 (New York Beat). All the time, he was also making art: hitting downtown Manhattan buildings with his spray-painted aphorisms and selling hand-painted T-shirts and collages on the streets as well as making drawings. His big break came in 1980, when critics singled out his work at the Times Square Show, an exhibition showcasing young New York artists. He finally got a studio in 1981, when his first New York dealer, Annina Nosei, invited him to paint in the basement of her gallery.

      Until then, he had little money to buy supplies, so he painted on window frames, cabinet doors, even football helmets—whatever he could find. After Basquiat began to make money, the quality of his art materials improved. Even so, throughout his career he often chose to paint on rough, handmade supports and intentionally pursued the awkward look of outsider art.

    • De la rue à l’atelier
      Basquiat a confié un jour à une personne qui l’interviewait : « À 17 ans, j’ai pensé que je pourrais être une star. » Adolescent, il se plonge dans le milieu artistique qui commence à se former dans les années 1980. Il rencontre des artistes et des célébrités au Mudd Club, il participe à l’émission de télévision de Glenn O’Brien TV Party sur la création artistique à Downtown et il joue dans un film à petit budget Downtown 81 (New York Beat). Pendant tout ce temps, il ne cesse jamais de créer, recouvrant les murs de Downtown Manhattande ses aphorismes et vendant dans la rue des T-shirts peints à la main et des collages, tout en continuant à dessiner. C’est en 1980 que son destin bascule, lorsque des critiques font son éloge à l’occasion du Times Square Show, une exposition regroupant plusieurs jeunes artistes new yorkais. Il a son premier atelier en 1981, lorsque sa première galeriste à New York, Annina Nosei, met à sa disposition le sous-sol de sa galerie.

      Jusque-là, faute d’argent pour acheter des fournitures, il peignait sur des encadrements de fenêtres, des portes de placard ou même des casques de football américain—tout ce qu’il pouvait se procurer. Lorsque ses oeuvres ont commencé à se vendre, Basquiat a utilisé des matériaux de meilleure qualité. Mais tout au long de sa carrière, il a souvent choisi de peindre sur des supports bruts, faits à la main, et a délibérément recherché l’apparence gauche du outsider art.

    • De la calle al atelier
      En cierta ocasión, Basquiat le confia a un entrevistador: “Desde que tenía diecisiete años, pensé que podía ser famoso”. Durante su adolescencia Basquiat se sumerge en el ambiente artístico de los ochenta que por entonces surgía. Conoce artistas y personajes famosos en el Mudd Club; aparece en Glenn O’Brien’s TV Party, un programa de televisión sobre el ambiente artístico en la zona del Downtown; y protagoniza la película de bajo presupuesto Downtown 81 (New York Beat). No deja por ello de seguir creando: escribiendo sus aforismos con pintura en aerosol en los edificios del centro de Manhattan y vendiendo camisetas y collage pintados a mano en las calles además de seguir dibujando. Su gran oportunidad se presenta en 1980, cuando los críticos elogian su trabajo en Times Square Show, una exposición que exhibía a artistas jóvenes de Nueva York. Finalmente, consigue su primer atelier en 1981, cuando su primer galerista en Nueva York, Annina Nosei, lo invita a pintar el sótano de su galería.

      Hasta ese momento, tenía poco dinero para comprar materiales, por lo tanto, pintaba sobre marcos de ventanas, puertas de armarios e incluso cascos de fútbol americano—todo aquello que pudiera encontrar. Una vez que Basquiat comienza a ganar dinero, la calidad de su material artístico mejora notablemente. Aún así, durante su carrera, a menudo opta por pintar sobre soportes rústicos hechos a mano e intencionalmente busca lograr el aspecto poco elegante del outsider art.

    • Griots
      New York in the 1980s was the epicenter of the new multiculturalism, and Basquiat, who was himself of many cultures, thrived in that scene. With a Puerto Rican mother and a Haitian father, the African Diaspora (the dispersal of African peoples and cultures around the world) was something he lived daily. In 1984, this cultural heritage began to emerge explicitly in Basquiat’s work, with a group of paintings exploring the concept of the griot.

      In many West African cultures, the griot (pronounced “GREE-oh”) is a revered figure who perpetuates a community’s history and traditions through storytelling and song. Basquiat’s griots feature grimacing expressions, elliptical eyes, and smooth heads. But Basquiat paints the griot in various guises. Sometimes the figure takes on a Latino identity, and its name is then given a Spanish spelling. Elsewhere in Basquiat’s art, it merges into a talismanic being that is associated with Haiti and New Orleans. These griot-related figures, derived from different aspects of Basquiat’s expansive heritage, become a single, protean symbol of the power of diversity.

    • Griots
      Le New York des années 1980 était l’épicentre d’un nouveau multiculturalisme et Basquiat, lui-même issu de plusieurs cultures, a pu pleinement s’épanouir dans ce milieu. De mère portoricaine et de père haïtien, la diaspora africaine (la dispersion des peuples et des cultures africaines à travers le monde) était pour lui une réalité quotidienne. En 1984, cet héritage culturel commence à s’exprimer explicitement dans son oeuvre avec une série de tableaux sur le thème du griot.

      Dans de nombreuses cultures ouest-africaines, le griot est un personnage vénéré qui perpétue l’histoire et les traditions d’une communauté à travers la narration et le chant. Les griots de Basquiat ont des expressions grimaçantes, des yeux elliptiques et des têtes arrondies, mais il a aussi peint ce personnage sous différents traits. Parfois, il lui donne une identité latino et écrit son nom avec une orthographe espagnole. Dans d’autres oeuvres, il devient un être talisman associé à la culture d’Haïti et de la Nouvelle-Orléans. Ces personnages dérivés du griot, qui reflètent différents aspects du vaste héritage de Basquiat, deviennent un symbole unique et protéiforme de la force de la diversité.

    • Griots
      Nueva York en la década de los 80 era el epicentro del nuevo multiculturalismo y Basquiat, él mismo una amalgama de diferentes culturas, pudo prosperar en ese ámbito. Puesto que su madre era puertorriqueña y su padre, haitiano, la diáspora africana (la dispersión de pueblos y culturas africanas alrededor del mundo) era para él una realidad cotidiana. En 1984, esta herencia cultural comenzó a surgir explícitamente en el trabajo de Basquiat, con un grupo de pinturas que exploraban el concepto del griot.

      En muchas culturas de África Occidental, el griot es una figura venerada, que perpetúa la historia y las tradiciones de una comunidad a través de la narración y el canto. Los griots de Basquiat presentan expresiones gesticulares, ojos elípticos y cabezas lisas. Pero Basquiat pinta al griot de muchas formas distintas. Algunas veces, la imagen asume una identidad latina y, por consiguiente, su nombre recibe una grafía en español. En otra obras, el griot es transformado en un ser mágico asociado a las culturas de Haití y de Nueva Orleáns. Estas variaciones de griot vienen a reflejar diferentes aspectos de las vasta herencia cultural de Basquiat, y constituyen un símbolo único y proteico del poder de la diversidad misma.

    • Basquiat and Modernism
      Despite a brief career of less than a decade, Basquiat is a crucial figure in the story of modern art. He was perhaps the last major painter of the twentieth century to pursue a key aspect of the visual language invented by some of the century’s first great artists, including Henri Matisse, Pablo Picasso, the German Expressionists, and others. These modern painters had turned to nontraditional sources—African art, as well as the art of children, the insane, and the untrained—for new ideas that would make their own work more direct, powerful, and expressive.

      Working eighty years later, and inspired by his own heritage as a child of the African Diaspora, Basquiat not only contributed to this modern tradition but transcended it. That is, he understood not only the African-influenced work of his predecessors from the beginning of the century, but also the state of contemporary art as his own generation had found it—austere, cerebral, exclusive, and detached from everyday life. Like many artists of the so-called postmodernist years, he was to a certain extent a revivalist in his effort to make art more immediately relevant to a larger public. But Basquiat was unique among his fellow artists of the 1980s for avoiding nostalgia, imitation, and irony in his attempt to provide a once revolutionary but now outmoded modernist pictorial language with a brilliant final voice.

    • Basquiat et le modernisme
      Bien que sa carrière ait duré moins de dix ans, Basquiat occupe une place essentielle dans l’histoire de l’art moderne. Il fut peut-être le dernier grand peintre du XXe siècle à utiliser un aspect clé du langage visuel inventé par certains des plus grands maîtres de cette époque, notamment Henri Matisse, Pablo Picasso et les expressionnistes allemands, entre autres. Ces peintres modernes ont trouvé auprès de sources non traditionnelles—l’art africain et l’art des enfants, l’art des déments et des amateurs—des idées nouvelles qui ont contribué à rendre leur art plus direct, plus puissant et plus expressif.

      Basquiat, peignant quatre-vingts ans plus tard et s’inspirant de son héritage d’enfant de la diaspora africaine, a non seulement embrassé cette tradition moderne, mais il l’a transcendée. C’est-à-dire qu’il appréhendait à la fois l’oeuvre de ses prédécesseurs influencés par l’Afrique au début du siècle, mais aussi la situation de l’art contemporain vu par sa propre génération—austère, cérébral, exclusif et détaché de la vie de tous les jours. Comme beaucoup d’artistes des années
      « postmodernistes », il a contribué dans une certaine mesure au renouveau de l’art en tentant de le rendre plus immédiatement accessible à un vaste public. Toutefois, Basquiat avait cela d’unique parmi les artistes des années 1980 qu’il rejetait la nostalgie, l’imitation et l’ironie en essayant de donner à un langage pictural moderniste autrefois révolutionnaire mais désormais obsolète, une dernière et brillante occasion de s’exprimer.

    • Basquiat y el modernismo
      A pesar de una carrera brevísima que dura menos de una década, Basquiat es una figura trascendental en la historia del arte moderno. Basquiat es quizás el último gran pintor del siglo XX en trabajar sobre un aspecto clave del lenguaje visual explorado por algunos de los primeros grandes artistas del siglo, incluidos Henri Matisse, Pablo Picasso, los expresionistas alemanes y tantos otros. Estos pintores modernos habían recurrido a fuentes no tradicionales—el arte africano, el realizado por infantes, el de los enfermos mentales y el de personas sin educación artística formal—a fin de obtener nuevas ideas que hicieran su propio trabajo más directo, impactante y expresivo.

      Ocho décadas más tarde y bajo la inspiración de su herencia como hijo de la diáspora africana, Basquiat no sólo contribuye a esta tradición moderna, sino que también la trasciende. Es decir, no sólo entiende la influencia africana en el trabajo de su predecesores de comienzos de siglo, sino también el estado del arte contemporáneo como su propia generación lo había encontrado: austero, cerebral, exclusivo y distanciado de la vida cotidiana. Como muchos artistas de los llamados años “postmodernistas,” Basquiat es hasta cierto punto un renacentista en su esfuerzo por hacer que el arte tuviera una mayor significación inmediata para un público más extenso. Pero Basquiat descolla entre los artistas de su generación al dotar con una voz inteligente y contemporánea a un lenguaje pictórico modernista, otrora revolucionario y ya pasado de moda, evitando las viejas armas de la nostalgia, la imitación y la ironía.

    • Works from 1983
      Basquiat reached full maturity as an artist in about 1983, when he was twenty-two years old. Encouraged by success and optimistic about his life, he made paintings that year that are among the strongest and most complex of any in the twentieth century. This was also the year he was included in the Whitney Biennial, a prestigious exhibition of contemporary art. And his girlfriend at this time, Paige Powell, introduced him to her boss, Andy Warhol, who soon became Basquiat’s closest friend.

      It was also in 1983 that a young, black graffiti artist named Michael Stewart died in suspicious circumstances while in police custody. Having once practiced graffiti himself, Basquiat realized that he could have suffered the same fate. Like many New Yorkers, he was deeply affected by the incident. Subsequently, his work began more fully to explore themes drawn from the African Diaspora, specifically the African experience in America.

      An interviewer asked Basquiat in 1983 if there was anger in his work. “It’s about 80% anger,” he replied. The interviewer continued, hopefully, “But there’s also humor.” To which Basquiat answered, “People laugh when you fall on your ass. What’s humor?”

    • OEuvres de 1983
      Basquiat atteint sa maturité artistique en 1983, à l’âge de 22 ans. Encouragé par son succès et optimiste quant à l’avenir, il réalise cette année-là des oeuvres qui figurent parmi les plus fortes et les plus complexes de l’art du XXe siècle. C’est aussi l’année où il participe à la Biennale du Whitney Museum of American Art, une prestigieuse exposition d’art contemporain. Et c’est à cette époque que son amie, Paige Powell, le présente à son patron, Andy Warhol, avec qui il se lie rapidement d’une solide amitié.

      C’est aussi en 1983 qu’un jeune graffitiste noir appelé Michael Stewart meurt dans des circonstances suspectes aux mains de la police. Ayant lui-même pratiqué l’art du graffiti, Basquiat réalise qu’il aurait pu connaître le même sort. Comme beaucoup de New Yorkais, il est profondément touché par cet incident. Par la suite, son oeuvre va explorer plus avant des thèmes issus de la diaspora africaine, notamment l’expérience des Africains en Amérique.

      En 1983, un journaliste avait demandé à Basquiat s’il y avait de la colère dans son oeuvre. « À peu près 80 % de colère », avait-il répondu. Encouragé, le journaliste avait poursuivi : « Mais il y a aussi de l’humour ». À quoi Basquiat avait répondu : « Les gens rigolent quand on tombe sur le cul. C’est quoi, l’humour ? »

    • Obras de 1983
      Basquiat alcanza la madurez plena como artista en 1983, a la edad de veintidós años. Alentado por el éxito y optimista en cuanto al futuro, ese año ejecuta obras que se encuentran entre las más poderosas y complejas del siglo XX. Éste es también el año en el que es aceptado en la bienal del Whitney Museum of American Art, una prestigiosa exposición de arte contemporáneo. La que fuera su novia en aquel momento, Paige Powell, le presenta a su jefe, Andy Warhol, quien pronto se convierte en amigo íntimo de Basquiat.

      Es en 1983 que un joven artista negro dibujante de graffiti llamado Michael Stewart muere en circunstancias sospechosas mientras se encontraba detenido. Habiendo practicado el graffiti en años anteriores, Basquiat se da cuenta de que podría haber corrido la misma suerte. Al igual que a muchos neoyorquinos, el incidente lo afecta profundamente. A raíz de ello, Basquiat comienza a explorar en mayor detalle los temas tomados de la diáspora africana, específicamente la experiencia africana en los Estados Unidos.

      En 1983, un entrevistador le pregunta a Basquiat si su trabajo es motivado por la rabia. Él responde: “Contiene un 80% de rabia”. El entrevistador continua, expectante: “Pero también hay humor”. A lo que Basquiat responde: “La gente se ríe cuando alguien se cae de culo. ¿Qué es el humor?”

    • Words
      Basquiat started his career as a graffiti writer, signing his work SAMO© (for “same old, same old” or “same old shit”). But while his contemporaries sprayed colorful pictorial symbols and tags all over New York, the teenaged Basquiat addressed the public in enigmatic sentences sprayed in a plain script, such as “SAMO© AS AN END TO MINDWASH RELIGION, NOWHERE POLITICS, AND BOGUS PHILOSOPHY” and “PLUSH SAFE HE THINK / SAMO©.” As a professional visual artist, Basquiat made language an increasingly important feature of his work. In some cases, words fill the entire canvas, leaving no room for images.

      Basquiat used words to elaborate his themes, adding layers of verbal complication to his pictorial ideas. Sometimes, following a Surrealist or stream-of-consciousness technique, he built up running lists or diagrams of related thoughts. Often, he repeated the same words over and over again, achieving an almost hypnotic effect.

      Basquiat’s words also serve a more strictly compositional function, playing a key role in the graphic construction of a painting. He was not the only artist using words in paintings during the 1980s, but he was perhaps the most successful at integrating text and picture into a dynamic whole. In Basquiat’s works, there is an especially harmonious affinity among written, drawn, and painted marks that have all clearly been made by the same hand.

    • Les mots
      Basquiat a commencé sa carrière en tant que graffitiste et signait ses oeuvres SAMO© (pour « same old, same old » ou « same old shit »—expressions qui signifient « toujours la même chose »). Mais alors que ses contemporains recouvraient les murs de New York de symboles picturaux et de tags colorés, le jeune Basquiat s’adressait au public avec des phrases énigmatiques écrites au spray en caractères d’imprimerie ordinaires, comme « SAMO© AS AN END TO MINDWASH RELIGION, NOWHERE
      POLITICS, AND BOGUS PHILOSOPHY » (SAMO© COMME UNE FIN A LA RELIGION ABRUTISSANTE, A LA POLITIQUE DE NULLE PART ET A LA PHOLOSOPHIE BIDON) et « PLUSH SAFE HE THINK / SAMO© ». En tant qu’artiste visuel professionnel, Basquiat a donné au langage une place de plus en plus importante dans son oeuvre. Dans certains cas, les mots occupent toute la surface de la toile, ne laissant aucune place aux images.

      Basquiat se servait de mots pour élaborer ses thèmes, ajoutant des couches successives de complication verbale à ses idées picturales. Parfois, à l’aide d’une technique surréaliste ou basée sur le courant de la conscience, il composait des listes courantes ou des diagrammes d’idées qui s’y rattachaient. Souvent, il répétait les mêmes mots plusieurs fois de suite, créant ainsi un effet quasi-hypnotique.

      Les mots ont aussi une fonction plus directement liée à la composition et jouent un rôle fondamental dans la construction graphique de ses oeuvres. Il n’était pas le seul artiste à inclure des mots dans ses tableaux dans les années 1980, mais il a peut-être été celui qui a le mieux réussi à intégrer du texte et des images au sein d’un tout dynamique. Dans les oeuvres de Basquiat, il y a une affinité particulièrement harmonieuse entre les marques écrites, dessinées et peintes qui ont toutes manifestement été tracées par la même main.

    • Palabras
      Basquiat comienza su carrera como dibujante de graffiti, firmando su trabajo con el pseudónimo SAMO© (que en inglés significa “same old, same old” o “same old shit”, es decir, “lo mismo de siempre” o “la misma mierda de siempre”). Pero mientras sus contemporáneos pintaban con aerosol frases y símbolos pictóricos por toda la ciudad de Nueva York, un Basquiat adolescente se dirigía al público usando oraciones enigmáticas pintadas con aerosol en letra sencilla, tales como “SAMO© AS AN END TO MINDWASH RELISION, NOWHERE POLITICS, AND BOGUS PHILOSOPHY” (SAMO© PARA PONER FIN AL LAVADO DE CEREBRO RELIGIOSO, LA POLÍTICA DE LA NADA Y LA FALSA FILOSOFÍA) y “PLUSH SAFE HE THINK / SAMO©”. Como artista visual profesional, Basquiat incorpora el lenguaje como una característica cada vez más importante de su obra. En algunos casos, las palabras cubren todo el lienzo, sin dejar lugar para imágenes.

      Basquiat se servía de palabras para elaborar sus temas, agregando niveles de complicación verbal a sus ideas pictóricas. En ocasiones, siguiendo una técnica surrealista o de monólogo interior, desarrolla listas o diagramas continuos de pensamientos relacionados. A menudo, repite las mismas palabras una y otra vez, logrando un efecto casi hipnótico.

      Las palabras de Basquiat también cumplen una función más estrictamente compositiva, constituyendo un papel clave en la construcción gráfica de un cuadro. Basquiat no fue el único artista en utilizar palabras en sus pinturas durante la década de los 80, pero quizás haya sido el que tuvo más éxito en integrar texto e imágenes en un todo dinámico. En sus obras hay una afinidad especialmente armoniosa entre los trazos escritos, dibujados y pintados que claramente han sido hechos por la misma mano.

    • Music
      Music was intensely important to Basquiat. As a teenager, he co-founded an art band called Gray that mixed ska and punk with “noise muzik.” He also performed in Deborah Harry’s video for the song “Rapture,” and produced his own record, “Beat Bop,” now recognized as an early hip-hop classic. He was close friends with the hip-hop impresario and first MTV veejay Fab 5 Freddy, and he briefly dated Madonna.

      When Basquiat turned his energies to painting full time, music became a subject in his art. Jazz musicians and singers—among them Miles Davis, Max Roach, Billie Holiday, and Fats Waller—figured prominently in his paintings from 1983 to 1985. He especially loved bebop, a style that originated in the 1940s and emphasized free, non-melodic improvisation. One of its leading innovators, Charlie Parker, was Basquiat’s most cherished cultural icon.

      With its combination of music, dynamic wordplay, performance, and graffiti writing, Basquiat’s art embodied the hip-hop movement during its infancy in the late 1970s and early 1980s. Many of those who knew him have spoken of Basquiat’s ability to soak up information, and in true hip-hop fashion, he incorporated what he needed: his pop poetry evokes the emcee. The lists of words—cut, pasted, recycled, and repeated—function like beats, controlling the composition. And Basquiat approached the process of making art like a deejay: culling text, symbols, imagery, and styles from disparate sources and mixing them into something completely original.

    • La musique
      Basquiat aimait intensément la musique. Adolescent, il avait été l’un des fondateurs d’un groupe de musique appelé Gray qui jouait un mélange de ska, de punk et de « noise muzik ». Il avait aussi participé au clip vidéo de la chanson de Deborah Harry
      « Rapture » et produit son propre disque « Beat Bop », devenu par la suite l’un des premiers classiques du hip-hop. Il était très proche de Fab 5 Freddy, l’impresario hip-hop et premier VJ sur MTV, et il eut une brève histoire d’amour avec Madonna.

      Lorsque Basquiat décide de se consacrer exclusivement à la peinture, la musique devient un sujet de son art. Les musiciens et chanteurs de Jazz—dont Miles Davis, Max Roach, Billie Holiday et Fats Waller—figurent en bonne place dans ses tableaux de 1983 à 1985. Il aimait tout particulièrement le be-bop, un style né dans les années 1940 qui privilégie l’improvisation libre et non mélodique. L’un des innovateurs dans ce domaine, Charlie Parker, était son icône culturelle favorite. Mêlant la musique, les jeux de mots dynamiques, la performance et le graffiti, l’art de Basquiat a incarné le mouvement hip-hop depuis sa naissance jusqu’à la fin des années 1970 et le début des années 1980. Beaucoup de ceux qui le connaissaient rapportent que Basquiat avait la capacité d’absorber des informations et, à la façon des vrais artistes hip-hop, de les incorporer à sa guise : sa poésie évoque l’art du MC. Ses listes de mots—découpés, collés, recyclés et répétés—créent un rythme qui règle la composition. Pour Basquiat, le processus de création artistique était semblable à celui d’un DJ :sélectionner des textes, des symboles, une imagerie et des styles de sources disparates, et les mixer pour en faire quelque chose de complètement original.

    • Música
      La música era sumamente importante para Basquiat. Durante su adolescencia, fue uno de los fundadores del grupo artístico llamado Gray que combinaba ska y punk con “noise muzik”. Además, tocó en el video de Deborah Harry para el tema “Rapture” y produjo su propio disco, “Beat Bop”, actualmente reconocido como uno de los primeros clásicos del hip hop. Fue muy amigo de empresarios de música hip hop y de Fab 5 Freddy, el primer video jockey de la MTV; también salió con Madonna durante un breve período.

      Cuando Basquiat decide consagrarse exclusivamente a la pintura, la música pasa a ser uno de los temas de su obra pictórica. Músicos y cantantes de jazz, entre ellos Miles Davis, Max Roach, Billie Holiday y Fats Waller, desempeñan un papel prominente en sus cuadros del 83 al 85. Le gustaba especialmente el bebop, un estilo que había surgido en la década de los 40 y que ponía énfasis en la improvisación libre y no melódica. Uno de sus innovadores más destacados, Charlie Parker, habría de convertirse en el ícono cultural más apreciado por Basquiat.

      Con su combinación de música, dinámicos juegos de palabras, representaciones y graffiti, el arte de Basquiat encarna el movimiento hip hop a partir de su nacimiento en la década de los 70, y hasta principios de los 80. Muchos de aquellos que lo conocieron han hablado de la capacidad de Basquiat para absorber información, y a la auténtica manera hip hop, él incorporaba lo que necesitaba: su poesía popular evoca al maestro de ceremonias. Las listas de palabras, recortadas, pegadas, recicladas y repetidas, funcionan como compases, controlando la composición. Y Basquiat aborda así el proceso de creación artística como un disc-jockey: seleccionando textos, símbolos, imaginería y estilos a partir de fuentes dispares y combinándolos para crear un resultado completamente original y único.

    • Becoming a Professional Artist
      By 1982, at the remarkably young age of twenty-one, Jean-Michel Basquiat was a successful professional artist, living from the sale of his work. In what might be compared to a musician’s winning multiple Grammy awards in a single year, he mounted six acclaimed solo shows in 1982, in New York, Los Angeles, Zurich, Rome, and Rotterdam. That same year, he became the youngest artist ever to be included in Documenta, a major international contemporary art exhibition held every five years in Germany. And when Basquiat exhibited at the Fun Gallery, in the East Village, critics praised his exceptional talent and originality.

      Along with his meteoric commercial success, 1982 was also Basquiat’s most prolific year as an artist: at least two hundred of his paintings bear that date, including many of his finest. The early 1980s witnessed a revival of Expressionist figure painting in art, and Basquiat’s works from 1981 had already established him as a key player in that movement. A new breed of artists had emerged, one that was impatient with the austere rigors of so-called high modernism and eager to reform art by making recognizable images about contemporary life in the Expressionist style of early modernism from decades before. Their success with collectors grown flush from the booming economy encouraged more artists and broader experimentation. Basquiat’s ambitious works of 1982, with their evocative use of text, collage, and an ever-widening range of references, demonstrate his growing intellectual ambition while recalling the exhilarating spirit of the time.

      Basquiat’s paintings from these years often revolve around single, heroic, black, male figures. In these images, the head is a central focus, topped by crowns and halos. Here, Basquiat explores the intellect, creativity, and emotional complexity of his human hero.

    • L’artiste professionnel
      En 1982, alors qu’il n’a que 21 ans, Jean-Michel Basquiat devient un artiste professionnel établi vivant de la vente de ses oeuvres. En 1982, avec un succès que l’on pourrait comparer à celui d’un musicien qui aurait gagné de multiples prix Grammys en une seule année, il réussit à monter six expositions individuelles, à New York, Los Angeles, Zurich, Rome et Rotterdam. Cette même année, il est le plus jeune artiste à participer à Documenta, une grande exposition internationale d’art contemporain organisée en Allemagne tous les cinq ans. Lorsqu’il expose à la Fun Gallery, dans le East Village de New York, les critiques font l’éloge de son talent exceptionnel et de son originalité.

      Outre le succès commercial fulgurant qu’elle lui a apporté, 1982 a aussi été l’année la plus prolifique pour Basquiat en tant qu’artiste : au moins deux cent tableaux datent de cette époque, dont beaucoup des plus beaux qu’il ait jamais créés. Le début des années 1980 est marqué par un retour à la peinture figurative expressionniste, et les oeuvres de Basquiat exécutées en 1981 le placent d’emblée au coeur de ce mouvement. Une nouvelle génération d’artistes était née qui voulait en finir avec la rigueur du prétendu haut modernisme et qui entendait réformer l’art en produisant dans le style expressionniste du début du modernisme, plusieurs décennies auparavant, des images reconnaissables de la vie contemporaine. Leur succès auprès de collectionneurs enrichis par le boom économique a encouragé d’autres artistes et a permis d’étendre le champ des expérimentations. Le travail ambitieux de Basquiat en 1982, avec son usage évocateur de textes, de collages et de références toujours plus diverses, illustre tout autant l’ambition intellectuelle croissante que l’esprit exalté de cette période.

      Les tableaux de Basquiat qui datent de ces années ont souvent pour sujet des personnages masculins noirs, seuls et héroïques. Dans ces images, la tête est le principal point d’intérêt, surmontée d’une couronne ou d’une auréole. Ici, Basquiat explore l’intellect, la créativité et la complexité psychologique de son héros humain.

    • La transformación en artista profesional
      Para 1982, con tan sólo veinte años, Jean-Michel Basquiat es un artista profesional exitoso que vive de la venta de sus obras. En 1982 Basquiat organiza seis exposiciones individuales muy bien recibidas en Nueva York, Los Ángeles, Zurich, Roma y Rótterdam, lo que se podría comparar con un músico que obtiene múltiples premios Grammy en un mismo año. Ese mismo año, se transforma en el artista más joven incluido en Documenta, una exposición de arte contemporáneo internacional de gran relevancia que se realiza cada cinco años en Alemania. Y cuando Basquiat expone en la galería Fun Gallery, en el vecindario neoyorquino del East Village, los críticos elogian su talento y originalidad excepcionales.

      Junto con su meteórico éxito comercial, el año 1982 es el más prolífico para Basquiat como artista: al menos doscientos de sus cuadros datan de esa época, incluyendo muchas de sus mejores obras. El principio de la década del 80 fue testigo de un renovado interés por el estílo expresionista en la pintura y el trabajo de Basquiat a partir de 1981 ya lo había establecido como un personaje clave en dicho movimiento. Había surgido una nueva generación de artistas, una generación que se mostraba impaciente ante el rigor austero del denominado alto modernismo y ansiosa por reformar el arte a través de imágenes reconocibles de la vida contemporánea, al estilo expresionista de los comienzos del modernismo de décadas anteriores. Su éxito con los coleccionistas que habían prosperado con la economía en auge alentó a más artistas y fomentó una experimentación más amplia. Las ambiciosas obras de Basquiat del año 1982, con el uso evocador de texto, collage y una gama de referencias que se extendía cada vez más, demuestran su creciente ambición intelectual y evocan el espíritu apasionante del momento.

      Las pinturas de Basquiat de estos años a menudo giran en torno a figuras individuales y heroicas de hombres negros. En estas imágenes, la cabeza, con coronas y halos, es el principal centro de atención. Aquí, Basquiat explora el intelecto, la creatividad y la complejidad emocional de su héroe humano.

    • Last Works
      Basquiat continued to develop new pictorial ideas throughout his short career, but by the mid-1980s he had begun to use heroin, and his energy waned. He alienated close friends, such as Andy Warhol, who were concerned about his drug abuse, and for the first time, he produced some works that appeared unfinished and repetitive.

      When Warhol died unexpectedly in February 1987, the news profoundly affected Basquiat. He transformed his grief into a burst of creativity, evident in the paintings displayed in this section. Many of these works make explicit, even apocalyptic, references to death. Yet Basquiat was painting with new confidence, maturity, and innovation. The sense of renewed vigor so evident here makes Basquiat’s own death of an accidental drug overdose eighteen months later, following an attempt at rehabilitation, all the more tragic.

    • Últimas obras
      Basquiat continuó desarrollando nuevas ideas pictóricas durante su breve carrera, pero para mediados de los años 80 había comenzado a consumir heroína y su energía disminuía. Se distanció de amigos íntimos, como Andy Warhol, a quienes les preocupaba su drogadicción, y por primera vez, produjo algunas obras que parecían inacabadas y repetitivas.

      La inesperada muerte de Warhol, en febrero de 1987, lo afectó profundamente. Basquiat transformó su dolor en un acceso de creatividad, evidente en los cuadros exhibidos en esta sección. Muchos de estos trabajos tienen referencias explícitas, incluso apocalípticas, a la muerte. Sin embargo, Basquiat pintaba con inusitada confianza, madurez e innovación. La sensación de renovado vigor tan evidente aquí hace que la muerte de Basquiat, causada por una sobredosis accidental de drogas dieciocho meses más tarde, y luego de un intento de rehabilitacíon, sea aún más trágica.

    • Dernières oeuvres
      Tout au long de sa brève carrière, Basquiat a développé de nouvelles idées picturales, mais au début des années 1980, sa consommation d’héroïne commence à saper son énergie. Il éloigne de lui ses proches amis (dont Andy Warhol) préoccupés par sa toxicomanie et, pour la première fois, il produit des oeuvres qui semblent non achevées et répétitives.

      Lorsque Warhol meurt soudainement en février 1987, la nouvelle affecte profondément Basquiat. Son chagrin suscite en lui un élan de créativité qui apparaît clairement dans les tableaux exposés dans cette section. Beaucoup de ces oeuvres contiennent des références explicites et même apocalyptiques à la mort. Pourtant, elles témoignent aussi d’une nouvelle assurance, de maturité et d’innovation. Le sentiment d’une vigueur renouvelée est si manifeste ici que la mort de Basquiat, survenue dix-huit mois plus tard à la suite d’une overdose accidentelle, après une cure de désintoxication, n’en est que plus tragique.

    • The Daros Suite
      Created in 1982–83, these thirty-two drawings were acquired from Basquiat as a single group, and they reveal the artist working out his ideas on paper. We catch a glimpse of his creative method: the sequencing of unconnected ideas; the practice of building up dense patterns of images and texts by transcribing from various illustrated books; the interest in history, science, commerce, and popular culture; and the development of slogans and texts from found and made-up elements. Especially, we can see here how Basquiat deliberately honed a technique that might be called “suggestive incoherence,” in which he created images that are intentionally confusing in order to hold the viewer’s attention longer.

      Basquiat did not make preparatory sketches as part of the planning process for his paintings, and his drawings are considered independent works of art in their own right. Many of the works from this suite include motifs and subjects that do not reappear in Basquiat’s paintings, although just as many do.

    • La série de Daros
      Réalisés en 1982–83, ces trente-deux dessins achetés en groupe à Basquiat révèlent la façon dont l’artiste mettait ses idées sur le papier. Ils donnent un aperçu de sa méthode créative : le séquençage d’idées sans rapport entre elles, la construction de motifs denses d’images et de textes en transcrivant divers livres illustrés, son intérêt pour l’histoire, la science, le commerce et la culture populaire, et la création de slogans et de textes à partir d’éléments trouvés et inventés de toutes pièces. En particulier, nous voyons ici comment Basquiat a perfectionné une technique que l’on pourrait qualifier d’« incohérence suggestive » et créé des images délibérément déconcertantes pour retenir plus longtemps l’attention du spectateur.

      Basquiat ne faisait pas d’ébauches préparatoires avant de peindre ses tableaux, et ses dessins sont considérés comme des oeuvres indépendantes à part entière. Cette série regroupe de nombreuses oeuvres où figurent des motifs et des sujets qui ne réapparaissent pas dans ses tableaux, bien que beaucoup d’autres s’y retrouvent.

    • La Serie Daros
      Basquiat vende estos treinta y dos dibujos creados entre 1982 y 1983 de forma grupal y esta serie revela al artista elaborando sus ideas sobre el papel. Alcanzamos a entrever su método creativo: la secuencia de ideas desconectadas; la práctica de crear diseños densos en imágenes y textos mediante la transcripción de varios libros ilustrados; el interés por la historia, la ciencia, el comercio y la cultura popular; y el desarrollo de slogans e textos a partir de elementos encontrados e inventados. Especialmente, aquí podemos observar cómo Basquiat perfecciona deliberadamente una técnica que podría llamarse “incoherencia sugestiva”, con la cual crea imágenes que son intencionalmente confusas a fin de captar la atención del espectador por más tiempo.

      Basquiat no hacía bosquejos preliminares como parte de su proceso de planificación para sus cuadros, y sus dibujos son considerados obras de arte independientes por derecho propio. Aunque muchos de los trabajos de esta colección incluyen diseños y temas que no vuelven a aparecer en las pinturas de Basquiat, muchos sí lo hacen.

    • Crowns, Haloes, and Heroes
      The crown was Basquiat’s signature motif. In some paintings, the crowns top nameless, generic figures. But more often, Basquiat crowned his heroes. These included renowned jazz musicians, such as Charlie Parker and Dizzy Gillespie, and celebrated athletes, among them Joe Louis, Sugar Ray Robinson, Cassius Clay (Muhammad Ali), and Hank Aaron. Like the royal titles that famous African American musicians have sometimes adopted as nicknames—such as Duke Ellington or Count Basie—Basquiat used crowns, as well as haloes, to ennoble his icons.

      In his unusual “portraits” of his heroes, Basquiat made almost no effort to paint his subjects with recognizable facial features. Often he merely named the person on the canvas or in the painting’s title.
      Perhaps he sought to invest his art with a votive presence, without relying on a direct visual likeness. The crown and the halo—the
      abstract symbols of honor—are all that are really necessary. Basquiat’s use of the halo, however, cannot help but remind us that in the modern world, art is no longer primarily dedicated to the service of religious worship.

    • Couronnes, auréoles et héros
      La couronne est un motif caractéristique de l’oeuvre de Basquiat. Dans certains tableaux, elle est l’apanage de figures génériques et sans nom mais, plus souvent, Basquiat couronne ses héros. Il y a parmi eux des musiciens de jazz célèbres comme Charlie Parker et Dizzy Gillespie, ainsi que des athlètes renommés comme Joe Louis, Sugar Ray Robinson, Cassius Clay (Muhammad Ali) et Hank Aaron. À l’instar des titres de noblesse dont les musiciens afro-américains se sont parfois affublés—parmi eux Duke Ellington (le Duc) ou Count Basie (le Comte)—Basquiat s’est servi de couronnes et de nimbes pour auréoler ses icônes.

      Dans les « portraits » inhabituels de ses héros, Basquiat ne fait presque aucun effort pour reproduire ses sujets sous des traits reconnaissables. Souvent, il se contente de nommer la personne sur la toile ou dans le titre du tableau. C’est peut-être là un moyen d’investir son art d’une présence votive sans être tributaire d’une ressemblance visuelle directe. La couronne et l’auréole—symboles abstraits honorifiques—sont tout ce qui est vraiment nécessaire. Ce recours à l’auréole chez Basquiat ne manque toutefois pas de nous rappeler que dans le monde moderne, l’art n’est plus voué principalement au service d’un culte religieux.

    • Coronas, halos y héroes
      La corona es uno de los motivos característicos de la obra de Basquiat. En algunos cuadros, las coronas se encuentran sobre figuras genéricas anónimas. Pero con mayor frecuencia, Basquiat corona a sus héroes. Entre estos se incluyen renombrados músicos de jazz, como Charlie Parker y Dizzy Gillespie, y atletas célebres, entre ellos Joe Louis, Sugar Ray Robinson, Cassius Clay (Muhammad Ali) y Hank Aaron. Como los títulos nobiliarios que músicos afroamericanos famosos habían adoptado a manera de apodos en ocasiones, como por ejemplo, Duke (Duque) Ellington o Count (Conde) Basie, Basquiat usa coronas y halos para enaltecer a sus íconos.

      En los inusuales “retratos” de sus héroes, Basquiat no hizo casi ningún esfuerzo en pintar sus personajes con rasgos faciales reconocibles. A menudo simplemente nombra a la persona en el lienzo o en el nombre del cuadro. Quizás buscara investir a su arte de una presencia votiva, sin basarse en un parecido visual y directo. La corona y el halo, los símbolos abstractos del honor, representan todo lo que es realmente necesario. No obstante, el empleo del halo por parte de Basquiat no hace más que recordarnos que en el mundo moderno, el arte ya no se encuentra principalmente dedicado al servicio del culto religioso.

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    "Hi Aimee, I think you mean Oreet Ashery? More information can be found in her profile on the Feminist Art Base: http://www.brooklynmuseum.org/eascfa/feminist_art_base/gallery/oreet_ashery.php?i=266"
    By shelley

    "Hi, I am trying to find the name of the artist who took and is in the photograph that follows- http://www.brooklynmuseum.org/opencollection/exhibitions/664/Global_Feminisms_Remix/image/216/Global_Feminisms_Remix._%7C08032007_-_03032008%7C._Installation_view. I believe the artist takes pictures of herself dressed as a man but then exposes her femaleness, as in the photo of her dressed as an Ascetic Jew exposing her breast. Can you help me find her information? Thanks in advance- Aimee Record"
    By Aimee Record

    "For more information on Louis Schanker and the New York Art Scene of the mid 1900's go to http://www.LouisSchanker.info "
    By Lou Siegel

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